Bernhard Rappold

Contact

helikon — 2013-03-14T22:20:00Z

E-mail:
bernhard.rappold@gmx.net

Atelier:
Geblerg. 69/2, 1170 Wien

Shipping Adress:
Ortliebg. 28/33, 1170 Wien

"THE COUNTING ROPE "
Bernhard Rappold,
09:04, A/ITA/TR/FIN-2013
Sound by O and Trumatic

The title "The Counting Rope" refers to the profane use of praying beads in various cultures, its meditative effects, its haptical quality, and its physical definition of time. The movie metaphorically deals with the transcended and also the unconscious use of praying beads. Each observation has got its own time-span, divided by a short formalistic sequence that refers to the beads themselves.
From stressful to contemplative, the hierarchy of attention represents an emotional selection without moral.

helikon — 2012-10-29T20:57:00Z

Papercuts Zine (L.A.) Trumatic Review:

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Hausboot Tiber

helikon — 2011-01-17T16:31:00Z

Tiber Houseboats
Bernhard Rappold
ITA/A 2010; 6:34; Video

During a three months scholarship in Rome, I got obsessed by the beauty of the Tiber houseboats.
Their architectural style echoed modernist eras, combined with a swamp-like improvised life of their residents.
Whereas until the 1950's, the Tiber has been used for swimming, all the public baths have been closed due to a water quality becoming worse and worse.
In contrast to the touristic places, the riverbank, even though being in the city center, seemed like a refuge of tranquillity.
I shot videos almost everyday, at different weather conditions and different day times. The Video is shot at highest zoom in order to achieve a flatness of space. Because of the great distance between the camera and the imagery the soundtrack doesn't capture the actual silence of the Tiber bank, where the boats are situated, but only the heavy traffic from above the canal. The silence only lies within the visual.

Recent

helikon — 2010-11-02T11:37:00Z

Recent / Upcoming Exhibitions (Selection):
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"DA" Exhibition
with
Sera Marshall
Simge Peker
Bernhard Rappold
Carlos Vasconcelos

Performance by the wonderful "Kukuvazo & Kaplankadilak"

20th December 2012
The Opening: 20.12.2012 / 20.30-22.30hrs
Performance: 20.12.2012 / 21.00hrs
Exhibition: 21.12.2012 - 02.02.2012
Dibek Sokak N.3 K.4 Galata / Beyoğlu, Istanbul

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The End of the World
311 Artworks, Istanbul

200 (Arman Şen, Pınar Birim)
Ayşe Bernev Çağlar
Bernhard Rappold
Bora Başkan
Carlos Vasconcelos
Deniz Yeğin İkiışık
Dilek Altan
Egemen Şenkardeş
Emir Erkaya
Erdem Güngör
Georg Frauenschuh
İdil Ar
Kirill Lorech
Onur Eker
Osman Koç
Sibel Diker
Tomi Paasonen
Tuse Tamer
Umut Kısa
Sergi küratörleri:
Onur Eker
Alp Güneysel

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MAGIC BUS
Gironcoli Museum

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MAGIC BUS
Katherina Olschbaur, Bernhard Rappold, Michael Horsky, Gerlind Zeilner
Gironcoli Museum, 23. Juni bis 21.Sept.
Fotos: Jorit Aust

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On steep waves/ Auf steiler Welle/ στην πλαγιά των κυμάτων

Groupshow/Wanderausstellung 27/10 -...
Kuratiert von Katherina Olschbaur
Thessaloniki, Wien Fluc,...

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27/10 - 30 /10/2011

Relektüre Fenster C.

Abdul Sharif Baruwa, Karina Bruckner, Bernhard Rappold, Markus Sulzbacher, Carlos Vasconcelos, Paul Wagner

Ausstellungsdauer: 21. Oktober 2011 26. November 2011

Von Oktober 2008 bis November 2010 realisierte der Kunstverein Fenster C. Ausstellungen und Konzerte im gleichnamigen
Raum in Wien und an verschiedenen Orten im Ausland. Zeitgleich entstanden selbstpublizierte Hefte als ein den Ausstellungen
gleichgestelltes Format.
Die Edition Fenster C. archiviert sämtliche dieser Publikationen, ebenso Drucksorten und ausgewählte Tonträger von
Fenster C. Records, sowie Originale der KünstlerInnen Bruckner, Rappold und Wagner.
Die Ausstellung zeigt Arbeiten von KünstlerInnen, die bei Fenster C. ausgestellt haben.

fensterc.twoday.net

Ortner 2
Judith Ortner
Sonnenfelsgasse 8
1010 Wien
Tel.: 0043-1-512 74 69
Fax.: 0043-1-512 49 00
Dienstag Freitag 13 19 Uhr, Samstag 11 16 Uhr

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SPAZIO THETIS

Arsenale 30122 Venezia in the frame of Sounds like Venice sound art project, aural pavillon
(together with Carlos Vasconcelos)
10-19 June

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Tenda Gialla

check out a fotostream.....

The title Tenda Gialla, firstly, refers to the common label for Italian crime movies: Giallo. Derived from the yellow covers of the 1960s mystery novels the term gained awareness naming a specific Italian subgenre of the thriller which, with its sexualised, visually effective stagings, was most prolific in the 1970s.
Tenda, the Italian term for tent, outlines the exhibitions scene: The setting encountered at the Factory Jedinstvo in Zagreb is no white cube, but rather a box noire a darkly tinted, vast space into which a tent can be inscribed as a triangular geometric figure. The tension a triangle may generate is purely formal. A tent shrouded in darkness, moreover, evokes the narrative suspense of the obscured.
Generating a feel of night-time the exhibition also salutes to Piero della Francescas Constantines Dream (from the cycle The Legend of the True Cross, Arezzo). In this fresco, della Francesca inscribed the supernatural of an angels epiphany into the natural quiet of a Roman tent camp.
TENDA GIALLA attends to the diverse interpretations of the notions of tension, suspense and potential within the Fine Arts. Apart from the various artistic stagings, a lecture and a performance will be presented on the exhibitions subject. Paul Wagner will give a talk on the depiction of power relations within Italian splatter film between 1976 and 1979. Teresa Rotschopf, together with the noise formations Trumatic and The International, will enact a sound performance scoring the exhibitions theme.
(Kathi Hofer, Bernhard Rappold)

Kathi Hofer, Jose Cabrera Betancort, Karina Bruckner,
Cut and Scrape, Tobias Pils, Teresa Rotschopf, Bernhard Rappold,
Markus Sulzbacher, Carlos Vasconcelos, Paul Wagner

A group show curated by Karina Bruckner, Bernhard Rappold and Paul Wagner
Opening on November 23rd 2010
19:00
Klub Mocvara
Trnjanski Nasip bb
10000 Zagreb

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Kunstraum Weikendorf

Kunstraum Weikendorf
29. Mai 2010
Karina Bruckner, Bernhard Rappold, Markus Sulzbacher, Carlos Vasconcelos und Paul Wagner

Eröffnungsrede von Kathi Hofer:

(1) Eine Irritation.
Ich möchte mit einem kleinen Geständnis beginnen: Die Einladung, die Ausstellung von Karina Bruckner, Bernhard Rappold, Markus Sulzbacher, Carlos Vasconcelos und Paul Wagner im Kunstraum Weikendorf hier mit anderen zu eröffnen, hat mich zunächst einmal etwas irritiert.
Die Irritation rührte von einem Missverständnis, das allerdings nicht etwa durch ein Kommunikationsdefizit zwischen mir und den Künstlern der Ausstellung zustande kam, sondern bereits davor entstand: in meiner voreiligen Annahme, mit dem Setting einer Ausstellungseröffnung dieser Art also mit den Rahmen, den Routinen und Rollenverteilungen bestens vertraut zu sein. Aus dieser Gewissheit heraus dachte ich mir zunächst, und darin bestand das Missverständnis, dass es mir die Künstler (und die Künstlerin) nicht leicht machen wollten: indem sie mir vorab einige entscheidende Informationen, die ihre Gruppenschau hier in Weikendorf konkretisieren hätten können, vorenthielten also etwa einen Ausstellungstitel, eine inhaltliche Ausrichtung oder eine Auskunft über das Zustandekommen genau dieser Konstellation von Personen oder Arbeiten. Stattdessen erzählten sie mir bei einem gemeinsamen Ateliergespräch von einer Reise nach Weimar vergangene Ostern, von diversen Vorlieben für Rokokomalerei und Motorradstunts, von Kindheitserinnerungen und Lesegewohnheiten. Wie sie mich da an ihren Erlebnissen und Erfahrungen teilhaben ließen, fand ich nett, aber auch ein bisschen kokett und zudem äußerst inspirierend.
In dem VorabGespräch wurde die geplante Ausstellung für mich nicht unbedingt fassbarer im Sinne einer Benenn- oder Beschreifbarkeit. Dafür vermittelte es mir, wie die Einladung, hier in diesem Rahmen zu sprechen, eigentlich gemeint war: nämlich nicht als Einladung zum Sprechen für oder über die Künstler und deren Arbeiten, sondern als eine Möglichkeit, dieser losen Gruppe temporär beizutreten und der Schau ein weiteres, selbstständiges Element hinzuzufügen. Keine künstlerische Arbeit, sondern einen theoretischen Gedanken.

(2) Rancières ästhetisches Regime.
Ich möchte also der Schau gerne einen Gedanken hinzufügen, der seinen Ausgang wiederum bei einem Gedanken des Philosophen Jacques Rancière findet. Jacques Rancière ist in der Kunsttheorie der letzten Jahre vor allem dadurch bekannt und wichtig geworden, dass er die Geschichte der Ästhetik in drei Regime unterteilt hat: In ein ethisches, ein repräsentatives und in ein ästhetisches Regime.
Das ethische Regime führt zeitlich zurück in die griechische Antike; programmatisch dafür ist Platons Politeia, in der die Kunst im Dienst politischer und ethischer Entwürfe steht. Das repräsentative Regime beginnt mit Aristoteles und endet ca. 1750; hier geht es um Nachahmung und Darstellung der Welt durch bestimmte, festgelegte Abbildungsregeln. Das ästhetische Regime schließlich, das bis heute vorherrschend ist, setzt Rancière mit der Aufklärung und der Autonomisierung der Kunst Mitte des 18. Jhdts. an. Dieses Regime erhält sich paradoxerweise durch seine Regellosigkeit; in ihm sind sämtliche Hierarchien abgeschafft, wie sie die früheren Kunstregime prägten: die Hierarchien zwischen Ethik bzw. Politik und Kunst sowie die Hierarchien zwischen verschiedenen Kunstgattungen und deren Repräsentationsregeln. Rancière bezeichnet das ästhetische Regime als einen gemeinschaftlichen Erfahrungsraum, in dem heterogene Wahrnehmungen und Praktiken gleichzeitig und völlig gleichwertig regieren. Völlig gleichwertig sind darin etwa auch Theorie- und Kunstpraxis.

Wichtig ist mir in unserem Zusammenhang nun weniger die geschichtliche Einteilung als die spezifische Art, wie Rancière das ästhetische Regime denkt: Dabei beginnt er zunächst mit Friedrich Schiller. In seinen Briefen über eine ästhetische Erziehung des Menschen schrieb Schiller, es sei der Spieltrieb, der den Menschen erst zum Menschen mache; und dieser Spieltrieb, die Begabung zu Spielen, befähige den Menschen nicht nur zur Lebenskunst also zum Vermögen, sein Leben aktiv zu formen , sondern auch zur Kunst des Schönen zur Kunstpraxis im engeren Sinn.
Was Schiller Spieltrieb nannte, ist für Rancière die ästhetische Erfahrung schlechthin; die Analogie zwischen Kunst und Leben, die Schiller als deren Voraussetzung begriff, wird bei Rancière allerdings zur Paradoxie: Zwar regieren Kunst und Leben in ihrem Zusammenspiel den ästhetischen Zustand, allerdings nur so lange sie einander begrenzen, ja sogar ausschließen. Sobald die Grenze zwischen Kunst und Leben verwischt, führt dieser Zustand, der für Rancière ursprünglich ein emanzipatorischer ist, entweder zu Totalitarismus, zur Spektakelgesellschaft oder zum Ende der Kunst. Rancière beschreibt drei Szenarien, wie Kunst und Leben ineinander verschwimmen können:
1) Szenario Nr. 1 ist: Kunst wird zu Leben. Wenn Kunst ganz und gar zur Lebensform wird, verwandelt sie sich, Rancière zufolge, nicht etwa in Lebenskunst, sondern in ein Erziehungsprogramm für ein bestimmtes ästhetisiertes Leben oder eine ästhetisierte Lebensform (extreme Ausprägungen wären Faschismus/Kommunismus oder Konsumkultur).
2) Das zweite, umgekehrte Szenario lautet: Leben wird zu Kunst. Das geschieht dann, wenn Objekte aus vitalen Zusammenhängen im Museum landen und dadurch zu Objekten der Kunst oder der Kunstgeschichte werden. Das Museumsszenario führt in seiner Konsequenz zum Ende der Kunst, denn durch die musealen Prozesse der Interpretation, Historisierung und Kanonisierung verlieren diese Objekte ihren spielerischen Esprit, der sie überhaupt erst zu Kunst machte. Sie sind dann Objekte der Geschichte.
3) Ein drittes Szenario, und hier sieht Rancière einen Ausweg aus den gerade beschriebenen Entropien: Kunst und Leben tauschen ihre Eigenschaften. Diese Szene respektiert die Grenze zwischen Kunst und Leben; die ästhetische Erfahrung bleibt eine spielerische.

Rancière zufolge war dies der Clou der Romantiker im späten 18. und im 19. Jhdt. In der romantischen Kunstpraxis konnte ein Alltagsgegenstand jederzeit zu einem poetischen Objekt werden und umgekehrt ein poetisches Objekt ungehindert seinen Eingang ins alltägliche Leben finden. Die Grenze zwischen Kunst und Leben wurde dadurch zwar permanent übertreten, jedoch niemals ausgelöscht. Flaubert, Balzac, Zola und Co. bespielten diese Grenze, indem sie Alltägliches und Beliebiges in ihre Literatur einfließen ließen und in eine Poesie gossen, die zuvor nur exklusiven Themen vorbehalten war. Sie agierten dadurch, so Rancière, nicht nur als Poeten, sondern auch als Naturalisten, Archäologen, Symptomatologen, etc., die Natürliches dokumentierten und Alltägliches nobilitierten, die Unzeitgemäßes ausgruben und Zeitdiagnosen anstellten. Dies war in gleicher Weise Rollenspiel wie tatsächliches Andocken an diese Lebenspraktiken.

(3) Über Wirkungen.
Jetzt möchte ich doch noch etwas zur Ausstellung sagen; allerdings über den Umweg mit Rancière und auf indirekte Weise, indem ich über Wirkungen spreche, nicht über Themen und Motive.
Mir scheint nämlich, dass die Künstler (und die Künstlerin) hier im Kunstraum Weikendorf eine Art ästhetisches Regime im Sinne Rancières errichtet haben; und dass die Künstler ihrer Praxis wie auch ihrer Sensibilität nach Romantiker sind:
Wenn, wie Rancière schreibt, Dinge romantisieren heißt, sie als lebendige zu nehmen und mit ihnen zu spielen, dann kann etwa eine Reiseerinnerung an das GoetheHaus in Weimar, wo ein Gartenweg aus bunten Kieselsteinen geheimnisvolle Dreiecke formt, in einem Kunstraum in Niederösterreich wiederaufleben; dann kann eine Rampe, die einem Stunt von Evel Knievel zum Absprung diente, ihre motorische Funktion verlieren und zur statischen Dreiecksform abstrahieren; oder der Faltenwurf eines RokokoRocksaumes in einem Gemälde von Jean-Honoré Fragonard (Die Schaukel, 1767) übersetzt sich unmittelbar in die bauschigen Formen einer Skulptur aus Glas, Fensterschaum und Wursthaut.

Diese und noch mehr Dinge sind in die Linien, Farben und Volumina dieser Ausstellung eingelassen; wie mir scheint allerdings nicht mit der Absicht, eine zusätzliche Bedeutungsebene einzuziehen, sondern eher, um eine Ablösung von jeglichen (ursprünglichen) Bedeutungen zu begünstigen.
Und mir scheint, dass diese Bedeutungsentleerung nicht aus einer Gleichgültigkeit oder aus purem Formalismus heraus geschieht, sondern dass hier eine emanzipatorische Haltung dahintersteht, die weder erziehen mag, noch definieren, was Kunst heute sein soll. Sondern die lieber spielt und dabei die Definitionen und die Erziehungsregime, die Rahmen, Routinen und Rollenverteilungen des Kunstmachens irritiert.

(Kathi Hofer, Eröffnungsrede vom 29. Mai 2010)

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Spazi Aperti

Porta, Filzstift auf Löschkarton121 x 312, Bernhard Rappold, 2010
Ohne Titel, Fotokeramik, Bernhard Rappold, 24 x 16, 2010

Ohne Titel, Objekt (Piano), 23 x 22,5 x 19 Carlos Vasconcelos, 2010

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Den Atem ziehst du ein. Die Möglichkeit erstickt.
Reis, Antwerpen 2009

Ohne Titel, Zeichnung, 2009 Ohne Titel, Malerei, 2008

Ohne Titel, Rondo, 2009

Ohne Titel, Wandarbeit, 2009

Line Of Works

helikon — 2010-01-21T01:07:00Z

Beekeeper, Painted Cloth, Polaroid 2013

Broken Triangle, Painted Cloth, Polaroid 2013

Magic Bus, Exhibition View, Gironcoli Museum, 2012

Piramide, Gouache on Paper, 2011

Sad Dandy Birds, Tempera and Dye on Fabric, Polaroids, 2013

"THE COUNTING ROPE "
Bernhard Rappold, Video,
09:04, A/ITA/TR/FIN-2013
Sound by O and Trumatic

The title "The Counting Rope" refers to the profane use of praying beads in various cultures, its meditative effects, its haptical quality, and its physical definition of time.
Each observation has got its own time-span, divided by a short formalistic sequence that refers to the round shape of beads.
From stressful to contemplative, the hierarchy of attention represents an emotional selection without moral.

Ohne Titel, Tempera and Lacquer on Fabric, Ceramic and Wood, 2012

Flag (Junge mit Zunge, Mann ohne Plan), Tempera on Fabric, Coppertube, 2012

Ohne Titel, Acryl & Tempera on Paper, 2007 (Kunstraum Weikendorf)

Ohne Titel, Tempera on Fabric/Cork 2012

Edo, Tempera and Lacquer on Canvas & Bamboo, 2012

Young Boro, Sewn Fabric on Rouleau, 2013

Diwani Vapor, Tempera on Fabric, 2012

Diwani Vapor, Tempera on Fabric, 2012

DA Exhibition, Istanbul
Exhibition Photos by Baran Tokmakoğlu

Rondo, Tape on Canvas, 2010

Guitars

helikon — 2010-01-21T00:41:00Z

Circuit

helikon — 2009-12-02T00:44:00Z

Circuit
Carlos Vasconcelos und Bernhard Rappold, Video, 2008
Diagonale 2008

Wave

helikon — 2009-12-01T20:11:00Z

Wave,
Carlos Vasconcelos und Bernhard Rappold, Video, 2007
Diagonale 2008

The camera follows as somebody thumbs through an album covered in film, photographs, notes and outlines. A low-tech bricolage. The camera zoom confounds perception: Is this a one-dimensional or a two-dimensional experience? Is this a book or a video of a film still?

(Diagonale Katalog)

River

helikon — 2009-12-01T19:20:00Z

River,
Carlos Vasconcelos und Bernhard Rappold, Video, 2007
, Ursula Blickle Videoarchiv

Table, Jungle,

helikon — 2009-12-01T19:17:00Z

Table, Jungle,,
Carlos Vasconcelos und Bernhard Rappold, Video, 2005
Diagonale 2008, Ursula Blickle Videoarchiv

Night-time. In a forest a man in white overalls sits down and produces electronic sounds using a sound module. The mysterious technical interruptions of the sound and the ambiance of the forest at night create a thriller atmosphere.

(Diagonale Katalog)

Trumatic

helikon — 2009-12-01T19:09:00Z

Trumatic,
Carlos Vasconcelos und Bernhard Rappold, Video, 2005
Diagonale 2008, Ursula Blickle Videoarchiv

The images of an assembly line: hands on the controls responsible for the production flow. It´s a fictious operating process which is cut by the pulse of the machines. The electronic sound coats the factory like bacteria attacking an organism. Instability breaks into a functioning system - knowledge becomes an uncertain variable.

(Diagonale Katalog)

Captain Cracker,
Carlos Vasconcelos und Bernhard Rappold, Video, 2003
Diagonale 2008, Ursula Blickle Videoarchiv

Captain Cracker

helikon — 2009-12-01T18:49:00Z

Captain Cracker,
Carlos Vasconcelos und Bernhard Rappold, Video, 2003
Diagonale 2008, Ursula Blickle Videoarchiv

Confessionals as sound stations, an oversized camera swing. The nave of a church as the stage for a cathartic noise session by Bernhard Rappold and Carlos Vasconcelos. Like a metronome, the movement of the camera influences the rhythm of editing. The ritual implied in the sacred space is reinterpreted by men wearing indefinable plastic overalls.